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当品读完一部作品后，相信大家都增长了不少见闻，是时候静下心来好好写写读书笔记了。那么你真的懂得怎么写读书笔记吗？下面是小编为大家收集的朱光潜《谈美》的读书笔记，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。
朱光潜《谈美》的读书笔记1
最近又重读了美学大师朱光潜的《谈美》一书，跟上次读起来感觉又有很大不同，收获良多。这或许正是经典书籍的魅力所在：除了百看不厌，还能让人每次都有新的感悟。
《谈美》开篇举例了三种人对一颗古松的不同态度。一位木材商，一位植物学家，一位画家，三人同时来看一颗古松。三人同时都“知觉”到这一棵古松，可是三人所知觉到的却是三种不同的东西。木材商难掩商人习性，只用木材价值来审视古松；植物学家知觉的只是一棵叶为针状，果为球状，四季常春的显花植物；画家却只管审美，他所知觉到的只是一棵苍翠劲拔的古树。
同样的一棵古松，它的形象随观者的性格和情趣而而变化。各人所见到的形象都是个人自己性格和情趣的观照。古松的形象一半是天生的，一半也是人为的！极平常的知觉都带有几分创造性，极客观的东西之中都有几分主观的成分。
美也是如此，即便是极客观存在的美，也要通过审美（主观）的眼睛才能见到。我不由得想起那句怀才不遇的老话，千里马常有而伯乐不常有。再优秀的设计作品也得同样有眼光的业主才能欣赏和认可呀（笑）。
说回上面的三种观点，作者认为分别代表了实用性、科学性和美感性三种截然不同的人生态度。
先说实用的态度，做人首先要维持生活，既要生活，就要讲究如何利用环境。“环境”对于生活有些有益，有些有害，有些不关痛痒。于是我们对于他们就有了爱恶的情感。这就是实用的态度。实用的态度起于实用的知觉，实用的知觉起于经验。
科学的态度则不然。它纯粹是客观的，理论的。就是把自己的成见和情感完全丢开，专以“无所为而为”的精神去探索真理。科学的态度源于公式、数据和理论。
美感经验就是形象的直觉，美就是事物呈现形象于直觉时的特质。所以美感的态度，是注意力专在事物本身的形象，也就是偏重直觉的心理活动。
我突然联想到，书中所说的三种态度这不就是设计装修中的三方参与者的心理活动嘛。我们不妨将这三种态度代入装修工作中来看。
实用性——业主方。
什么是实用性呢，具体来说，比如卫生间地砖是否防滑（安全第一）、厨房墙地砖好不好打理（卫生第二）、开关位置合不合理（再也不用石头剪刀布老虎棒子鸡决定谁关灯）、不同位置灯光明暗设置得好不好（起夜开灯晃瞎眼）、门窗开扇方向合不合适、橱柜高度会不会影响操作（不下厨理由±1）等等。
综合整个装修周期来讲，绝大部分的业主最为关心的还是装修实不实用，毕竟他们才是房屋的最终的使用者，实用与否决定了他们对装修工作的盖棺定论。
科学性——项目经理。
天马行空的设计方案如何实现（还能这样做？！不要钱的吗），装修成本和装修质量该怎么权衡（缺钱or缺德），施工工艺的选择与改进等等等等，事无巨细都需要科学、严谨的态度才能做出最为合理的决策。
美感性——设计师。
优秀的.设计师往往都有天马行空的想象力和善于发现美的眼睛，他们专注于建筑物本身的形象，往往会先大胆构思一种或几种最能展现建筑美的方案，自我欣赏不能自拔（大雾），再结合业主的要求，从实用性和科学性出发，在满足实用功能和可行性的基础上追求整体居家环境的美观性，从而将家居生活感化，达到功能性、科学性和美感性的和谐统一。（毕竟连政治是妥协的艺术，更何况装修设计呢）
我们常说艺术（或者美）源于生活而高于生活，可见只有保持适当的距离和高度，才能产生美感，而在美感方面保持洞察力正是设计师的基本素养。
所以，在满足功能和成本要求的情况下，希望业主朋友能够更多地采纳设计师的意见，向光潜先生所说的“不令人俗”的境界再靠近一些。
朱光潜《谈美》的读书笔记2
纵观朱光潜先生的《谈美》，大致分为了三个板块，其一是谈对美的欣赏，其二是讲美的创造，最后引申到了人生的艺术化，朱光潜先生本人也认为这是他自己最重要的理论。这本书看完后，对人生与艺术，自己与美有了自己的感悟。
书中开篇就解释了谈美的原因，“要求人心净化，先要求人生美化。”“人要有出世的精神才可以做入世的事业”，要做到“免俗”。而探讨现如今美的意义，或者是美学的意义，有一个很著名的观点就是现代美学的美育，美学可以把人的存在纳入形式表达的方法，审美的本质就在于让人的存在变得更加美好，意味着唯有通过审美教育才能真正获得对人生的的深层把握。以我所学，美育能够成为可能的基础，是因为艺术主要就是负担人的感性认知以及美感意识的水平的职责。而审美之所以如此重要，就在于通过艺术的审美教育，才能摆脱生命的慵常性，复苏被现实麻痹的感知，重新领悟到生命的真谛。而现在的社会是一个被技术统治的时代，艺术成为了消费文化的一部分，在这种大潮里，唯有通过美育获得存在的感知，得到真正的`本真。
在对美的欣赏上，首先是态度问题，对一颗古松不同的身份会有不同的感悟，而无论何种感悟都是带有个人的主观，这也体现出艺术与人生之间存在着紧密地联系。“极平常的知觉都带有几分创造性；极客观的东西之中都有几分主观的成分。”引出一个显而易见的道理“有审美的眼睛才能见到美”。仔细观察生活，确是如此，生活中极平常的东西都带有我们自己的主观意识，看到公寓旁边与楼齐高的参天大树，我们可能习以为常，而当我用审美的观点去看待它，它又是那么的特别。站在树底下观之，只觉望不到树尖，树干上都是风霜的痕迹，凹凸不平，却带有一种古朴美；有次站在楼顶观之，别有一番景象，居高临下，它是那么的孤立，独树一帜，显示出傲然挺立之感，不畏寒冬，心中不觉对此敬佩。当时正值我背书背的很烦闷，忽觉树都能如此不畏环境的艰难，何况人呢。我想这就是审美给我带来的精神上的体验。
艺术与实际人生也是有距离的，而艺术与极端的写实主义不相容。他说“美和实际人生有一个距离，要见出事物本身的美，须把他摆在适当的距离之外去看。”“艺术本来就是弥补人生和自然缺陷的。”在许多文学作品中，本来现实的结局完满的，而改写成文学作品后，去掉了完美，给了他一个不完美的结局，这就在于这样使得悲剧更深入人心，能够起到更大的艺术效果。我们感悟艺术作品的时候，也要记得这个适当的距离，书中的古希腊和中国旧戏的角色往往戴面具，穿高跟鞋，表演时的声调不像平常，这都体现距离。而这个是适当的距离，距离太远变成无法理解，而太近则不像是艺术。所以朱光潜先生说“一般人不能把切身的经验放在一种距离以外去看，所以情感尽管深刻，经验尽管丰富，终不能创造艺术。”要以主观的参与者退变为客观的观赏者。
朱光潜先生也谈到了几点对许多人对美感的误解。美学不是享乐主义，而这个享乐指的是快感，我们欣赏一件作品时候的快感，愉悦之感，并不就是美感。“美感有普遍性，快感没有普遍性。”“美感与实用活动无关，而快感则起于实际要求的满足。”这个也解释了我心中的的疑问，对于一件事物的喜欢，并不能说明这个事物是美的，正如“实验美学”的人做的实验，问受验者喜欢哪些颜色、条纹，而艺术上部分之和并不等于全体，每者的一切，透析写作缘由，社会背景等，这可能会在无意之中磨灭了美。“遇到文艺作品如果始终持批评的态度，则我是我而作品是作品，我不能沉醉在作品里面，永远得不到真正的美感的经验。”或许对待作品，我们应该不掺加杂质，以本真之心去看待，这样也能更好地阅读作品，得到其中的真谛。
在美的创作上，朱光潜先生谈到“大人者不失其赤子之心”，艺术游戏说。“艺术的雏形就是游戏。游戏之中就含有创造和欣赏的心理活动。”我觉得这在一定程度上把艺术变得更加具体化。游戏和艺术一样是把欣赏的意象加以客观化，使它成为一个具体的情境。也是一种“想当然耳”的勾当，游戏也带有移情作作用，把死板的宇宙看成活跃的生灵，是在现实世界之外另造一个理想世界来安慰情感。这可能是受到席勒认为人有一种游戏冲动，这是以美为对象的艺术创造冲动。但是有浓厚的“乌托邦”色彩。同时，也使艺术成为一种社会意识形态的工具，承担了太多的“说教”功能和“神圣”色彩，弱化了游戏的实践性、对话性和非功利性等。总之，我认为在美的创作上，朱光潜先生提到的“读书破万卷，下笔如有神”说的十分正确。以前看过一段话说，读书有什么用，还不如拿读书的钱出去旅行，古有“读万卷书，不如行万里路”。接着就有人回复说，你不读书，即使行了万里路也只是一个邮差。说的不无道理，心中没有知识的储备，更不会说对美有任何感悟。现在的我们，应该打好基础，多充实自己，不管是知识上，还是能力上。正如书中所说，灵感是突如其来，出于作者自己意料之外的，是不由自主的、突如其来的。“不过灵感的培养正不必限于读书。人只要留心，处处都是学问。”这就要求我们要注意观察生活，也就是对美的欣赏上说的有一双审美的眼睛。要留心观察生活，对生活中的事物要有自己的见解和思考。
最后朱光潜先生说道人生的艺术化。以上见解可观之艺术与人生的关系紧密，朱光潜先生也认为“人生本来就是一种较广义的艺术。每个人的生命史就是他自己的作品。”而他也把人生分为了实际人生和整个人生。实际人生只是整个人生中的一部分，艺术与人生都有一种完整性，都是以“情趣”为本体的生命精神的显现。朱光潜先生说，艺术的生活就是本色的生活，我想这里的本色是指的有趣的，有源头涉水的生活，而不是机械的、干枯的生活，而是显露人生真性情的生活。
艺术和生活的创造之中都含有欣赏，朱光潜先生说：“善于生活者则彻底认真，不让一尘一芥妨碍整个生命的和谐。”而我们对于生活也要怀有一定的严肃性，正如前文所说，在持出世精神与做入世事业之间、在超脱人生与淑世主义之间的圆融。或者说，严肃与豁达尖山的艺术与人生态度，还喻示着道德精神与审美主义的同一性。我觉得这种豁达的精神很值得学习，在生活中，我们可能会过度的在乎我们自己的得失，斤斤计较，殊不知这是在丧失生活的乐趣。
而朱光潜先生说的阿尔卑斯山谷公路边的标牌：“慢慢走，欣赏啊！”许多人在这车水马龙的世界里生活，恰如乘坐在疾驰而过的汽车上，“慢慢走”有的人认为是以时间换空间，把实用的人暂时变成审美的人，把路旁的风景变成审美的对象。“欣赏啊”，就是完成一次完满的审美经验，体验到真正的“美”。现实世界名缰利锁，人生很难自由超脱，而我们可以怀着美感的纯粹意象的世界，看淡我们名利得失和利害关系，做一个纯粹的本真的人，即使在现实生活中难以做到，我们也可以在自己心中找到自己的平衡点。从心中开始做一个本真的人，找到我们自己人生与艺术的联系。
朱光潜《谈美》的读书笔记3
什么是美？这是一个很基本的问题，但毫无意外地，我们大多数人并不知道它的确切答案。其实从另一个方面来说，美并没有一个具体的标准，每个人对于美都有不同的定义。在《谈美书简》中，朱光潜先生给了我们一个答案，虽然这个答案不一定正确，但至少比毫无头绪要高明许多。
许多人都认为，看过去舒服的就是美的，也许更深一层，会说心灵美也是一种美。但所有的这些都比较浅显的，而深入研究，又是望尘莫及的事了。通常我们对于美、美感、美的规律、美的范畴等等这些问题感到很深奥，也研究甚少，关于这些问题，朱光潜先生在此书中都一并回复了，而且回复的很详尽，对于思想，文学，方法，理论等等也有详细的陈述。对于美，我们看到的都是片面的，也可以说成的.表面的，而看完这本书，我对于美则有了全新的看法，这也是读此书的收获吧。
这本书是以信件的方式组成的，大多都是给读者的回信。（这一点，书中也有提到过）因此也就比较浅显易懂。在“知识链接”一栏中，编者提到了许多有关学术方面的美的知识。这让我们也提前了解了一些有关美的知识。
虽然此书不是一本完整的美学著作，却也从一些很重要很关键的角度对美学的入门者的问题进行了解答，而且在很多方面都很有帮助。
例如在《典型环境中的典型人物》一文中，作者比较具体、完整地讲解了在文学与戏剧作品中人物与环境的关系。他首先回顾了这一理论产生与发展的历史，进而指出，典型人物是能够体现社会历史发展的某些规律并且具有鲜明个性特点的人物形象，而典型环境则是典型人物所处的能够反映社会历史发展现状和趋势的具体情景和背景。典型人物应生活在典型环境中，而不能与环境相脱节。在这里，共性是通过个性来表现的，是在特殊中显示一般。文学之所以能在偶然性中见出必然性，是与再现“典型环境中的典型人物”这一理论分不开的。（此段有些摘录于原文）
类似这样的例子还有许多，在此也就不一一详谈了。
朱光潜先生信奉“三此主义”，即此身，此时，此地：“此身应该做而且能够做的事，就得由此身担当起，不推委给旁人。”“此时应该做而且能够做的事，就该在此时做，不拖延到未来。”“此地（我的地位、我的环境）应该做而且能够做的事，就得在此地做，不推委到想象中另一地位去做。”这是朱光潜先生不尚空谈，脚踏实地的治学精神的体现。这很值得我们青少年去学习。
朱光潜《谈美》的读书笔记4
作为一个美学家，作为一部谈美的书，朱光潜先生的《谈美》一书专心谈了美感态度，对美感态度作了深入浅出的阐发。
朱光潜在书中，把人生态度分为三种：实用的、科学的、美感的。实用态度求的是善，科学态度求的是真，美感态度求的是美。于是，真、善、美构成一个完整的人生。文章层层递进，从人们看待事物的三种不同态度到艺术与实际人生的距离中让我们知道美从哪里来，究竟什么是美感，明白了什么是美感之后进而讨论美本身，在“美究竟是什么”的讨论中让我们明白美和自然的关系，让我们明白了欣赏的道理，朱先生于是换一个方向从讨论创造入手，让我们明白创造本身以及与情感、格律、模仿的关系，进而明白美的特点。该书渗透了朱先生对艺术与人生关系的深刻体悟。正如书中文字：“艺术是情趣的活动，艺术的`生活也就是情趣丰富的生活。情趣愈丰富，生活也愈美满，所谓人生的艺术化就是人生的情趣化。”
在当今义务教育阶段，一切学习都应该自美的体会开始，美育的有效途径是培养美感的敏锐度，真正的任务在于激发学生审美能力，形成一种判断力。正如朱光潜的人生观：人生的艺术化。人生本来就是一种比较广义的艺术。
学术界有人指出：“朱光潜对美学的理解可以说是非常之深，他对西方美学的介绍，在《谈美》中已经达到了一代大师的化境。下面我们来欣赏一幅西方的美术作品——《向日葵》。
这是荷兰画家凡高的油画作品，作品以饱满而纯净的黄色调，展示了画家内心似乎永远沸腾着的热情与活力，那一团团如火焰般的向日葵，不仅散发着秋天的成熟，而且更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，那一块块灼热的黄色，不仅融集着自然的光彩，而且宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。画中的向日葵不是自然的真实写照，而是画家生命和精神的自我流露，是他以火一般的热情为生活高唱的赞歌。
我们在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之，凡高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。
朱光潜《谈美》的读书笔记5
读完朱光潜的《谈美》，让我对美有了更深层次的理解。
画家提笔作画，一展丹青，他们用水墨雕砌的琼楼玉宇，是人们口中的艺术品；隐士不问名利，在绝境桃花源里，在后院梅花香中，淡泊宁静，致远，这本身就是极富美感的生活。不朽的人向阳而活，向死而生，他们无所畏惧，勇往直前，他的一生也是美好的。
我们谈美，谈雕像画卷的一笔一画，那每一分景象，又折射出作者的品性，而作者的作品集又展露了他们的'一生。
美，是可以给予人精神支持的。若不是那五颜六色的召唤，穷困潦倒的凡高怎会毕其一生献于艺术？无论是斑斓胜于光影的星空，还是满面太阳的笑靥的向日葵，都是美的代名词。凡高为着它们，穷尽了一生的苦痛，依然无惧风雨。我相信美是灵魂的解药，在深陷泥潭时，它将披荆斩棘，为低处的泥沼种下花草。
疫情期间，很多的艺术家、歌唱家为白衣天使们献出自己的作品。奋战一线，生死间忙碌，他们得到的慰藉不再是一粥一宿，而是直击内心的美。这一种美用最精致的形态给予世间安宁幸福。
在向往高洁清廉之士时，我们其实是在向往一种真善美的世界。“决不为五斗米折腰”而晨起耕耘、带月而归的闲适，“明朝散发弄偏舟”的浪漫，“九万里风鹏正举”的一种无畏与大气磅礴。这一种对生活春暖花开始终抱有爱的真挚。我们推崇的风流风骨，是对生活的苛刻，也是对美的砥砺。全由一种“无所为而为”的心态，才能将臃冗的一生待尽，“慢慢走，欣赏啊！”
像用52HZ的歌唱的鲸鱼，一生的诉说只给懂它的人听，像高山流水遇知音，像所谓鲍叔牙管仲之交……人一生不过须臾之间，只为了“一骑红尘妃子笑”，好像也是值得的。这一种真心，比起所谓功名利禄，在某个不朽的人心中，要珍贵的多。
美，是对人生的选择。
在艺术、生命中，不吝惜时间一两分，由心而生的前程似锦，将自己托付于一切美；于深夜中创造星子，去辨析“无所为而为”的真实，感受慢处的凉意，传播处世的美好。
这一生，慢慢走，欣赏啊！
朱光潜《谈美》的读书笔记6
《谈美》是他写于民国时期的一本小书，由浅入深、鞭辟入里，系统地讨论了美的本质、美与自然的关系，艺术欣赏的方法、艺术创作的方法等问题。
无论是舞蹈欣赏，还是舞蹈编排，相信这本书都会对你有启发。
什么是美？艺术等于自然？怎样进行艺术欣赏？怎样进行艺术创作？天赋有多重要？灵感如何获得？朱光潜告诉你。
什么是美？
人要有出世的精神才可以做入世的事业。现世只是一个密密无缝的利害网，一般人不能跳脱这个圈套，所以转来转去，仍是被利害两个大字系住。在利害关系方面，人已最不容易调协，人人都把自己放在首位，欺诈、凌虐、劫夺种种罪孽都种根于此。美感的世界纯粹是意象世界，超乎利害关系而独立。在创造或是欣赏艺术时，人都是从有利害关系的实用世界搬家到绝无利害关系的理想世界里去。艺术的活动是“无所为而为”的。我以为无论是讲学问或是做事业的人都要抱有一副“无所为而为”的精神，把自己所做的学问事业当作一件艺术品看待，只求满足理想和情趣，不斤斤于利害得失，才可以有一番真正的成就。伟大的事业都出于宏远的眼界和豁达的胸襟。
知觉不完全是客观的，各人所见到的物的形象都带有几分主观的色彩。
极平常的知觉都带有几分创造性；极客观的东西之中都有几分主观的成分。美也是如此。
有审美的眼睛才能见到美。
做人的第一件大事就是维持生活。既要生活，就要讲究如何利用环境。“环境”包含我自己以外的一切人和物在内，这些人和物有些对于我的生活有益，有些对于我的生活有害，有些对于我不关痛痒。我对于他们于是有爱恶的情感，有趋就或逃避的意志和活动。这就是实用的态度。实用的态度起于实用的知觉，实用的知觉起于经验。
科学的态度纯粹是客观的，理论的。所谓客观的态度就是把自己的成见和情感完全丢开，专以“无所为而为”的精神去探求真理。理论是和实用相对的。理论本来可以见诸实用，但是科学家的直接目的却不在于实用。
科学的态度之中很少有情感和意志，它的最重要的心理活动是抽象的思考。科学家要在这个混乱的世界中寻出事物的关系和条理，纳个物于概念，从原理演个例，分出某者为因，某者为果，某者为特征，某者为偶然性。
在实用的态度中和科学的态度中，所得到的事物的意象都不是独立的、绝缘的，观者的注意力都不是专注在所观事物本身上面的。
注意力的集中，意象的孤立绝缘，便是美感的态度的最大特点。
不计较实用，所以心中没有意志和欲念；不推求关系、条理、因果等等，所以不用抽象的思考。这种脱净了意志和抽象思考的心理活动叫做“直觉”，直觉所见到的孤立绝缘的意象叫做“形象”。美感经验就是形象的直觉，美就是事物呈现形象于直觉时的特质。
实用的态度以善为最高目的，科学的态度以真为最高目的，美感的态度以美为最高目的。在实用态度中，我们的注意力偏在事物对于人的利害，心理活动偏重意志；在科学的态度中，我们的注意力偏在事物间的互相关系，心理活动偏重抽象的思考；在美感的态度中，我们的注意力专在事物本身的形象，心理活动偏重直觉。真善美都是人所定的价值，不是事物所本有的特质。离开人的观点而言，事物都混然无别，善恶、真伪、美丑就漫无意义。真善美都含有若干主观的成分。
就“用”字的狭义说，美是最没有用处的。科学家的目的虽只在辨别真伪，他所得的结果却可效用于人类社会。美的事物如诗文、图画、雕刻、音乐等等都是寒不可以为衣，饥不可以为食的。从实用的观点看，许多艺术家都是太不切实用的人物。然则我们又何必来讲美呢了人性本来是多方的'，需要也是多方的。真善美三者俱备才可以算是完全的人。人性中本有饮食欲，渴而无所饮，饥而无所食，固然是一种缺乏；人性中本有求知欲而没有科学的活动，本有美的嗜好而没有美感的活动，也未始不是一种缺乏。真和美的需要也是人生中的一种饥渴精神上的饥渴。疾病衰老的身体才没有口腹的饥渴。同理，你遇到一个没有精神上的饥渴的人或民族，你可以断定他的心灵已到了疾病衰老的状态。
人所以异于其他动物的就是于饮食男女之外还有更高尚的企求，美就是其中之一。
人的实用的活动全是有所为而为，是受环境需要限制的；人的美感的活动全是无所为而为，是环境不需要他活动而他自己愿意去活动的。在有所为而为的活动中，人是环境需要的奴隶；在无所为而为的活动中，人是自己心灵的主宰。
在实用的和科学的世界中，事物都借着和其他事物发生关系而得到意义，到了孤立绝缘时就都没有意义；但是在美感世界中它却能孤立绝缘，却能在本身现出价值。照这样看，我们可以说，美是事物的最有价值的一面，美感的经验是人生中最有价值的一面。
许多轰轰烈烈的英雄和美人都过去了，许多轰轰烈烈的成功和失败也都过去了，只有艺术作品真正是不朽的。
距离产生美
人常是不满意自己的境遇而羡慕他人的境遇，所以俗语说：“家花不比野花香。”人对于现在和过去的态度也有同样的分别。本来是很酸辛的遭遇到后来往往变成很甜美的回忆。
看倒影，看过去，看旁人的境遇，看稀奇的景物，都好比站在陆地上远看海雾，不受实际的切身的利害牵绊，能安闲自在地玩味目前美妙的景致。看正身，看现在，看自己的境遇，看习见的景物，都好比乘海船遇着海雾，只知它妨碍呼吸，只嫌它耽误程期，预兆危险，没有心思去玩味它的美妙。持实用的态度看事物，它们都只是实际生活的工具或障碍物，都只能引起欲念或嫌恶。要见出事物本身的美，我们一定要从实用世界跳开，以“无所为而为”的精神欣赏它们本身的形象。总而言之，美和实际人生有一个距离，要见出事物本身的美，须把它摆在适当的距离之外去看。
艺术一方面要能使人从实际生活牵绊中解放出来，一方面也要使人能了解，能欣赏，“距离”不及，容易使人回到实用世界，距离太远，又容易使人无法了解欣赏。
艺术须与实际人生有距离，所以艺术与极端的写实主义不相容。写实主义的理想在妙肖人生和自然，但是艺术如果真正做到妙肖人生和自然的境界，总不免把观者引回到实际人生，使他的注意力旁迁于种种无关美感的问题，不能专心致志地欣赏形象本身的美。比如裸体女子的照片常不免容易刺激性欲，而裸体雕像如《米罗爱神》，裸体画像如法国安格尔的《汲泉女》，都只能令人肃然起敬。这是什么缘故呢？这就是因为照片太逼肖自然，容易像实物一样引起人的实用的态度；雕刻和图画都带有若干形式化和理想化，都有几分不自然，所以不易被人误认为实际人生中的一片段。
艺术的美不是模仿自然
一般人常欢喜说“自然美”，好像以为自然中已有美，纵使没有人去领略它，美也还是在那里。这种见解就是我们在上文已经驳过的美本在物的说法。其实“自然美”三个字，从美学观点看，是自相矛盾的，是“美”就不“自然”，只是“自然”就还没有成为“美”。
如果你觉得自然美，自然就已经过艺术化，成为你的作品，不复是生糙的自然了。比如你欣赏一棵古松，一座高山，或是一湾清水，你所见到的形象已经不是松、山、水的本色，而是经过人情化的。各人的情趣不同，所以各人所得于松、山、水的也不一致。
艺术的最高目的既然只在模仿自然，自然本身既已美了，又何必有艺术呢？
美丑是相对的名词，有丑然后才显得出美。如果你以为自然全体都是美，你看自然时便没有美丑的标准，便否认有美丑的比较，连“自然美”这个名词也没有意义了。
在表面上看，理想主义和写实主义似乎相反，其实它们的基本主张是相同的，它们都承认自然中本来就有所谓美，它们都以为艺术的任务在模仿，艺术美就是从自然美模仿得来的。它们的艺术主张都可以称为“依样画葫芦”的主义。它们所不同者，写实派以为美在自然全体，只要是葫芦，都可以拿来作画的模型；理想派则以为美在类型，画家应该选择一个最富于代表性的葫芦。严格地说，理想主义只是一种精炼的写实主义，以理想派攻击写实派，不过是以五十步笑百步罢了。
艺术的美丑和自然的美丑是两件事。艺术的美不是从模仿自然美得来的。
我们说“艺术美”时，“美”字只有一个意义，就是事物现形象于直觉的一个特点。事物如果要能现形象于直觉，它的外形和实质必须融化成一气，它的姿态必可以和人的情趣交感共鸣。这种“美”都是创造出来的，不是天生自在俯拾即是的，它都是“抒情的表现”。我们说“自然美”时，“美”字有两种意义。第一种意义的“美”就是上文所说的常态，例如背通常是直的，直背美于驼背。第二种意义的“美”其实就是艺术美。我们在欣赏一片山水而觉其美时，就已经把自己的情趣外射到山水里去，就已把自然加以人情化和艺术化了。所以有人说：“一片自然风景就是一种心境。”一般人的错误在只知道第一种意义的自然美，以为艺术美和第二种意义的自然美原来也不过如此。
法国画家德拉克洛瓦说得好：“自然只是一部字典而不是一部书。”人人尽管都有一部字典在手边，可是用这部字典中的字来做出诗文，则全凭各人的情趣和才学。做得好诗文的人都不能说是模仿字典。说自然本来就美（“美”字用“艺术美”的意义）者也犹如说字典中原来就有《陶渊明集》和《红楼梦》一类作品在内。这显然是很荒谬的。
艺术欣赏与艺术创作
欣赏之中都寓有创造，创造之中也都寓有欣赏。创造和欣赏都是要见出一种意境，造出一种形象，都要根据想象与情感。
创造之中都寓有欣赏，但是创造却不全是欣赏。欣赏只要能见出一种意境，而创造却须再进一步，把这种意境外射出来，成为具体的作品。这种外射也不是易事，它要有相当的天才和人力。
凡是创造之中都有欣赏，但是创造却不仅是欣赏。创造和欣赏都要见到一种意境。欣赏见到意境就止步，创造却要再进一步，把这种意境外射到具体的作品上去。见到一种意境是一件事，把这种意境传达出来让旁人领略又是一件事。
艺术创作的前提：想象，移情
艺术既是创造的，就要用创造的想象。创造的想象也并非从无中生有，它仍用已有意象，不过把它们加以新配合。创造的定义就是：平常的旧材料之不平常的新综合。
诗人于想象之外又必有情感。
情感是生生不息的，意象也是生生不息的。换一种情感就是换一种意象，换一种意象就是换一种境界。即景可以生情，因情也可以生景。所以诗是做不尽的。
诗人和艺术家都有“设身处地”和“体物人微”的本领。他们在描写一个人时，就要钻进那个人的心孔，在霎时间就要变成那个人，亲自享受他的生命，领略他的情感。所以我们读他们的作品时，觉得它深中情理。在这种心灵感通中我们可以见出宇宙生命的联贯。诗人和艺术家的心就是一个小宇宙。
文艺作品都必具有完整性。它是旧经验的新综合，它的精彩就全在这综合上面见出。在未综合之前，意象是散漫零乱的；在既综合之后，意象是谐和整一的。这种综合的原动力就是情感。凡是文艺作品都不能拆开来看，说某一笔平凡，某一句警辟，因为完整的全体中各部分都是相依为命的。
因为有情感的综合，原来似散漫的意象可以变成不散漫，原来似重复的意象也可以变成不重复。
艺术的任务是在创造意象，但是这种意象必定是受情感饱和的。情感或出于己，或出于人，诗人对于出于己者须跳出来视察，对于出于人者须钻进去体验。情感最易感通，所以“诗可以群”。
情感是心感于物的激动，和脉搏、呼吸诸生理机能都密切相关。这些生理机能的节奏都是抑扬相间，往而复返，长短轻重成规律的。情感的节奏见于脉搏、呼吸的节奏，脉搏、呼吸的节奏影响语言的节奏。
诗和其他艺术都是情感的流露。情感是心理中极原始的一种要素。人在理智未发达之前先已有情感；在理智既发达之后，情感仍然是理智的驱遣者。情感是心感于物所起的激动，其中有许多人所共同的成分，也有某个人所特有的成分。这就是说，情感一方面有群性，一方面也有个性，群性是得诸遗传的，是永恒的，不易变化的；个性是成于环境的，是随环境而变化的。所谓“心感于物”，就是以得诸遗传的本能的倾向对付随人而异、随时而异的环境。环境随人随时而异，所以人类的情感时时在变化；遗传的倾向为多数人所共同，所以情感在变化之中有不变化者存在。
艺术创作的方法：“格律”，媒介，技巧，模仿
古今大艺术家大半都从格律人手。艺术须寓整齐于变化。一味齐整，如钟摆摇动声，固然是单调；一味变化，如市场嘈杂声，也还是单调。由整齐到变化易，由变化到整齐难。从整齐人手，创造的本能和特别情境的需要会使作者在整齐之中求变化以避免单调。从变化人手，则变化之上不能再有变化，本来是求新奇而结果却仍还于单调。
古今大艺术家大半后来都做到脱化格律的境界。他们都从束缚中挣扎得自由，从整齐中酝酿出变化。格律是死方法，全赖人能活用。善用格律者好比打网球，打到娴熟时虽无心于球规而自合于球规，在不识球规者看，球手好像纵横如意，略无牵就规范的痕迹；在识球规者看，他却处处循规蹈矩。
孔夫子自道修养经验说：“七十而从心所欲，不逾矩。”这是道德家的极境，也是艺术家的极境。“从心所欲，不逾矩”，艺术的创造活动尽于这七个字了。“从心所欲”者往往“逾矩”，“不逾矩”者又往往不能“从心所欲”。凡是艺术家都要能打破这个矛盾。孔夫子到快要死的时候才做到这种境界，可见循格律而能脱化格律，大非易事了。
什么叫做“媒介”？它就是艺术传达所用的工具。比如颜色、线形是图画的媒介，金石是雕刻的媒介，文字语言是文学的媒介。艺术家对于他所用的媒介也要有一番研究。
各种艺术都各有它的特殊的筋肉的技巧。例如写字、作画、弹琴等等要有手腕筋肉的技巧，唱歌、吹箫要有喉舌唇齿诸筋肉的技巧，跳舞要有全身筋肉的技巧（严格地说，各种艺术都要有全身筋肉的技巧）。要想学一门艺术，就要先学它的特殊的筋肉的技巧。
学一门艺术的特殊的筋肉技巧，要用什么方法呢？起初都要模仿。
艺术家从模仿入手，正如小儿学语言，打网球者学姿势，跳舞者学步法一样，并没有什么玄妙，也并没有什么荒唐。不过这步功夫只是创造的始基。没有做到这步功夫和做到这步功夫就止步，都不足以言创造。我们在前面说过，创造是旧经验的新综合。旧经验大半得诸模仿，新综合则必自出心裁。
凡是艺术家都须有一半是诗人，一半是匠人。他要有诗人的妙悟，要有匠人的手腕，只有匠人的手腕而没有诗人的妙悟，固不能有创作；只有诗人的妙悟而没有匠人的手腕，即创作亦难尽善尽美。妙悟来自性灵，手腕则可得于模仿。匠人虽比诗人身分低，但亦绝不可少。
艺术创作的“神来之笔”：天赋，灵感
“天才”究竟是怎么一回事呢？它自然有一部分得诸遗传。有许多学者常欢喜替大创造家和大发明家理家谱，说莫扎特有几代祖宗会音乐，达尔文的祖父也是生物学家，曹操一家出了几个诗人。这种证据固然有相当的价值，但是它决不能完全解释天才。同父母的兄弟贤愚往往相差很远。曹操的祖宗有什么大成就呢了曹操的后裔又有什么大成就呢？
天才自然也有一部分成于环境。假令莫扎特生在音阶简单、乐器拙陋的蒙昧民族中，也决不能作出许多复音的交响曲。“社会的遗产”是不可蔑视的。文艺批评家常欢喜说，伟大的人物都是他们的时代的骄子，艺术是时代和环境的产品。这话也有不尽然。同是一个时代而成就却往往不同。英国在产生莎士比亚的时代和西班牙是一般隆盛，而当时西班牙并没有产生伟大的作者。伟大的时代不一定能产生伟大的艺术。美国的独立，法国的大革命在近代都是极重大的事件，而当时艺术却卑卑不足高论。伟大的艺术也不必有伟大的时代做背景，席勒和哥德的时代，德国还是一个没有统一的纷乱的国家。
我承认遗传和环境的影响非常重大，但是我相信它们都不能完全解释天才。
在固定的遗传和环境之下，个人还有努力的余地。遗传和环境对于人只是一个机会，一种本钱，至于能否利用这个机会，能否拿这笔本钱去做出生意来，则所谓“神而明之，存乎其人”。有些人天资颇高而成就则平凡，他们好比有大本钱而没有做出大生意；也有些人天资并不特异而成就则斐然可观，他们好比拿小本钱而做出大生意。这中间的差别就在努力与不努力了。
杜工部尝自道经验说：“读书破万卷，下笔如有神。”所谓“灵感”就是杜工部所说的“神”，“读书破万卷”是功夫，“下笔如有神”是灵感。据杜工部的经验看，灵感是从功夫出来的。如果我们借心理学的帮助来分析灵感，也可以得到同样的结论。
灵感就是在潜意识中酝酿成的情思猛然涌现于意识。它好比伏兵，在未开火之前，只是鸦雀无声地准备，号令一发，它乘其不备地发动总攻击，一鼓而下敌。在没有侦探清楚的敌人（意识）看，它好比周亚夫将兵从天而至一样。这个道理我们可以拿一件浅近的事实来说明。我们在初练习写字时，天天觉得自己在进步，过几个月之后，进步就猛然停顿起来，觉得字越写越坏。但是再过些时候，自己又猛然觉得进步。进步之后又停顿，停顿之后又进步，如此辗转几次，字才写得好。学别的技艺也是如此。据心理学家的实验，在进步停顿时，你如果索性不练习，把它丢开去做旁的事，过些时候再起手来写，字仍然比停顿以前较进步。这是什么道理呢了就因为在意识中思索的东西应该让它在潜意识中酝酿一些时候才会成熟。功夫没有错用的，你自己以为劳而不获，但是你在潜意识中实在仍然于无形中收效果。
灵感是潜意识中的工作在意识中的收获。它虽是突如其来，却不是毫无准备。法国大数学家潘嘉贵常说他的关于数学的发明大半是在街头闲逛时无意中得来的。但是我们从来没有听过有一个人向来没有在数学上用功夫，猛然在街头闲逛时发明数学上的重要原则。在罗马落水的如果不是素习音乐的柏辽兹，跳出水时也决不会随口唱出一曲乐调。他的乐调是费过两年的潜意识酝酿的。
人只要留心，处处都是学问。艺术家往往在他的艺术范围之外下功夫，在别种艺术之中玩索得一种意象，让它沉在潜意识里去酝酿一番，然后再用他的本行艺术的媒介把它翻译出来。
各门艺术的意象都可触类旁通。书画家可以从剑的飞舞或鹅掌的拨动之中得到一种特殊的筋肉感觉来助笔力，可以得到一种特殊的胸襟来增进书画的神韵和气势。推广一点说，凡是艺术家都不宜只在本行小范围之内用功夫，须处处留心玩索，才有深厚的修养。鱼跃莺飞，风起水涌，以至于一尘之微，当其接触感官时我们虽常不自觉其在心灵中可生若何影响，但是到挥毫运斤时，他们都会涌到手腕上来，在无形中驱遣它，左右它。在作品的外表上我们虽不必看出这些意象的痕迹，但是一笔一划之中都潜寓它们的神韵和气魄。这样意象的蕴蓄便是灵感的培养。
朱光潜《谈美》的读书笔记7
在接触朱光潜先生的《谈美》之前，我曾一直认为，“美”正如其字一般，像一个戴着头饰的美人，让人一眼方知，这就是美。
爱美之心，不仅人皆有之，而且自古有之：“垆边人似月，皓腕凝霜雪”是美人;“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”是美景;“蜀酒浓无敌，江鱼美可求”是美食……可见，人类自诞生之日起，就从未放弃过对“美”的追求。
《谈美》一书，让我开始重新思考，究竟什么是“美”?人们常说：生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。然而，我们忘记了，美是一种高级情感，不是所有人都具备的，但我们可以在生活中通过不断训练，提高我们的审美情趣。这也让我忽然意识到，人们对“美”的认识也是可以不断地成长的。
大语文之魅力
想到这里，我的脑海里突然浮现出一位温柔的女子——著名主持人董卿。她的美，不止于姣好的容颜，更源于她渊博的学识和涵养。“腹有诗书气自华”在她身上展现得淋漓尽致。每每，她那摄人心魂的谈吐，令我一次又一次臣服于大语文的魔力。
有人说，语文之美，是对大江东去的向往;是对唐诗宋词的热爱;是怒发冲冠的激情;是大漠孤烟的雄浑;是小桥流水的婉约.....作为一名语文老师，“美育”是值得学习消化并渗入语文课堂的。正如高尔太说：“美，只是人感受它，它就存在，不被人感受到，它就不存在。”显然，“美”是一种主观意识，却也离不开客观事物。要培养学生的审美意识，就可以从教会学生欣赏语文的`魅力开始。
品味语言之美
语文有这样的魔力，会让你沉沦在她的柔波，忘情享受字里行间的美。在小学语文教学中，品味语言之美是最先要做的。在这一环节，我们常常做的就是带领学生美读。古人云：熟读唐诗三百首，不会写诗也会吟”。例如我在教学统编教材《伯牙鼓琴》时，通过配乐读、生生互读、师生合作读、接龙读等各种形式，让学生沉浸在语言文字中，感受小古文语言简练之美、骈俪对仗之美、音律工整之美.....带领学生从语言美中走来，再向语文美中走去。
感受意境之美
朱光潜先生说：“所谓美感经验，起事不过数在聚精会神之中，我的情趣和物的情趣父王回流而已。”这就是移情和意境的体验。在语文课堂中，探寻美的旅程中，我们也该带领学生感受意境之美，从中更好的理解作者的情感。例如在《伯牙鼓琴》中，我通过不断提供课外资料，让学生对这个流传千古的佳话有更深入的了解，为学生更好的体会意境做好铺垫。课中，学生情不自禁地融入了这个故事，化身为伯牙和子期，深情流露。这样挖掘文本的意境之美，移情人物，产生情感共鸣，是语文教学的要求，更是学生学习的需求，提升审美的过程。
体悟情感之美
朱先生告诉我们，真、善、美构成一个完整的人生。语文的学习就是体悟情感之美的过程。语文的学习就如同在孩子心灵播撒一颗美的种子。不同的文章蕴藏着不同的灵魂，饱含着不同的养分。每一次情感体验的过程，都在不断地浇灌这颗美的种子，不断地熏陶，终会在他们的心灵深处，破土而出，丰盈他们的人生。
生活中，我们很难成为一个创造美的艺术家，但我们却可以成为传递美的教育者......
朱光潜《谈美》的读书笔记8
读完朱光潜先生的《谈美》，感觉这部书不像是在谈深奥的美学，而更像是一部介绍美、鼓励年轻人去发现美、创造美的书。朱光潜先生在这部书里面所提到的美，也并非完全是哲学意义上的“审美”，而是更多的在探讨自然美、艺术美、人生美，这些我们在生活中看得见、摸得着的美的事物。
朱光潜先生开篇就开始谈如何发现美。究竟美在哪里？究竟什么是美？人和人的看法多有不同。正如书中提到的关于一棵古松的三种态度的问题所展示出来的，画家认为是美的古松，在植物学家与商人眼中却只不过是一株客观实在的，实用的植物。按照朱光潜先生在书中所说，正是因为植物学家与木商不能够跳出他们的专业的实用范畴才不能发现古松自然的“盘屈如龙蛇的弦纹以及它的昂然高举、不受屈挠的气概”。这种观点很有道理，可能也就是常说的“审美无功利”的通俗易懂的说法。但是，等到后面又谈到创造美的部分时，这种观点未免又有一点片面了。
“许多轰轰烈烈的英雄和美人都过去了，许多轰轰烈烈的成功和失败也都过去了，只有艺术品真正是不朽的。”的确，真正的艺术品自然会永垂不朽，但如果脱离了孕育它的历史环境，再伟大的艺术品也是无从产生，更别提什么永垂不朽了。朱光潜先生如此说，当然是为了纠正人们对于审美无用的误解。说动人心魄的历史于我们无意义而《短歌行》于我们亲切，其实是漫长的时间已经把厚重的历史和我们的实用的范畴远远的疏离开来，让我们有机会以身处之外的心理来享受历史的跌宕起伏。艺术品作为一种对历史的记录或演绎，为我们带来美的享受。这种美的享受大概不是当年历史的亲历者所能感受到的。
当局者迷，旁边者清。优秀的艺术作品应该是既有主观又有客观，或者说既要有作者的情感又要能跳出情感来客观审视。朱光潜先生在书中也多次提到，虽然艺术来自于生活，但是艺术所用的情感却并不是生糙而是经过反省的。书中说，“艺术家在写切身的情感时，都不能同时站在这种情感中过活，必定把它加以客观化，必定由站在主位的尝受者退为站在客位的观赏者”。也就是说，在艺术家亲身经历人生的大起与大落之时是无法将这种情感客观的表现出来，而非要等“痛定思痛”，心绪得以跳出之时才能够将自己的情感作为材料进行加工和创作，产生艺术品。而这种由主观到客观的过程，也即是摆脱实用性的过程。
当然，除去艺术家的亲身经历，还有很多优秀的艺术作品是基于虚构的人生感受。既然没有实际的亲身经历可以跳出，就需要艺术家能够将自己融入所要刻画人的心境与生活中去，去获得主观的情感已获得可以客观刻画的材料。美的艺术的创作，既不可过于主观而物我不分，也不可绝对客观而令作品趣味索然。
此时说到底，发现美的过程即是脱离实用性、逐渐走向客观的过程。人事景物，脱离了我们的日常实用，其中所蕴含的美感才有机会被我们所发现。
既然发现了美，就要去欣赏美。我们常常感到，自然风景是不变的，可是人与人对它的感受却千差外别。这种对于事物的审美差异，正如朱光潜先生书中所说，始于我们在欣赏时的“移情作用”的差异。我们之所以对于同一审美对象有着不同的审美感受，首先是因为我们由于不同的心境和经历，对于物产生了不同的心理活动。一个简单的例子就是，我们心情愉快时看秋风扫落叶或许会对自然的变化赞叹不已，而当我们心灰意冷时恐怕再见此情此景只会徒增心中的悲凉。根据书中的观点，我们的移情作用往往是带有无意的模仿。我们听舒缓的音乐感觉舒缓；听雄壮的节拍会感觉心潮澎湃。我们之所以会因为不同的`音乐产生截然不同的情感，不是因为音乐本身有高低、长短、急缓、宏纤之分，而是因为我们在聆听舒缓的音乐时心思不由自主的模仿曲调节拍进行舒缓的活动，进而勾起了我们记忆里面某种舒缓的人生体验，从而让我们产生了所谓的“共鸣”。
因此，正如朱光潜先生所说的那样，物的形象是人的情趣的反照。我们虽在移情中模仿着外物，却也在模仿中加入自己的体验，也在进行着某种创作，而这种创作产生了我们千差万别的审美体验。
然而，我们什么时候知道我们是在审美呢？审美的过程似乎就像在做梦。我们在做梦时通常不会意识到梦境，只有等梦醒之后才隐约对之前的梦境有所唏嘘。同样的，我们对于一件艺术作品的欣赏越入迷，我们就越难觉察到自己是在欣赏它，也难以察觉自己在审美中所享受的快乐。这种感受似乎与上面的“审美脱离实用”以及“客观”的原则相悖，因为既然我们已经沉浸在对作品的欣赏中，又如何断言我们已经和作品脱离了实用的关系了呢？
朱光潜先生谈到美感有两个要素：一是目前意象和实际人生中也有一种适当的距离，二是在观赏这种意象时，我们处于聚精会神以至于物我两忘的境界，所以于无意之中以我的情趣移注于物，以物的姿态移注于我。要说明这两点，就要分明“快感”与“美感”二者。正如之前所说，我们欣赏艺术作品感到满足，喝水、饮食异能感到满足，这二者之满足究竟有什么不同，是区分“美感”与“快感”的关键所在。根据朱光潜先生的观点，我们因为满足实用的需要而产生的快感总是与体验同时发生的。也就是说我们觉得某种饭菜可口，这种体验只是发生在我们品尝这种食物的过程之中。相反的，我们从欣赏艺术作品所获得的满足却发生在我们欣赏艺术作品的行为之后。“在聚精会神之中忘记自我”，也正是指在审美的过程中脱离了我们的实际人生从而进入到一种拜托了物质实用的“物我两忘”境界了。这样看来，我们欣赏艺术作品而获得美的满足也的确是一种脱离了主观与实用的感受。
朱光潜《谈美》的读书笔记9
正如朱自清在《序》中所讲，这本书帮你把东鳞西爪拼凑起来的美学知识改编成正式军队。
本书写作时正值“九一八”事变后，日本出兵东三省，轰炸淞沪时。在《开场话》中，作者开宗明义，“我坚信中国社会闹得如此之糟，不完全是制度的问题，是大半由于人心太坏”，“要求人心净化，先要求人生美化”。所以作者写信给青年人“谈美”。作者以为，美感的世界纯粹是意象世界，超乎利害关系而独立，可以帮人跳出现实世界的网罗。
全书从美感是什么，美感不是什么，美的创造和人生的艺术化四个角度展开论述。
美感是什么
作者首先区分了实用的、科学的、美感的三种态度。作者认为，对人而言，一件事物并不是固定的东西，它的形象反映了观者的性格情趣。专持美感的态度时，才能见到美。“注意力的集中（脱净了意志和抽象思考的直觉），意象的孤立绝缘（不考虑它的使用价值及其与其它事物的联系）是美感态度的最大特点”。
人之所以要旅行，是因为可以暂时跳出现实的生活，从而和实际人生维持一种适当的距离，这是唤醒审美意识的关键所在。“艺术本来是弥补人生和自然的缺陷的”。“从道德的观点来谈文艺”，或者谈“文以载道”，“是把艺术硬拉回到现实的世界里去”。
“所谓美感经验，其实不过是在聚精会神之中，我的情趣和物的情趣往复回流而已”，即“宇宙的人情化”。所以我们从“云飞泉跃，山鸣谷应”中体验到美。专注于美时，人是极自由的，因为不受实用目的的牵绊。此时，既是在欣赏美，也是在创造美。
美感不是什么
罗金斯说，“我从来没有见过一座希腊女神雕像，有一位血色艳丽的英国姑娘的一半美“。这是混淆了美感和快感。二者的区别在于，快感起于实际的需要。美感经验是直觉的而不是反省的，美感所伴的快感，在当时都不觉得，到过后才回忆起来。
“记得绿罗裙，处处怜芳草“，”多数人觉得一件事物美时，都是因为它能唤起甜美的联想“，此时的联想，偏离了起于直觉的美感，在艺术本身以外求它的价值了。
了解和欣赏是互相补充的，但是，考证和批评是欣赏美之外的活动，可以看作欣赏的准备工作。抱着“批评的态度”去读书是出于实用目的的，而欣赏的态度则是“把我放在作品里面去分享它的生命”。
关于自然美，法国画家德拉库瓦说：“自然只是一部字典而不是一部书。”美感是人心和外物互动的结果，所以自然不美，被你艺术化（人情化和理想化）的自然才美。自然的丑也可以生出不朽的美来，比如波德莱尔的诗。
美的创造
“艺术是把死板的宇宙看成活跃的生灵”，是模糊自己和物的界限，是于现实世界外另造一个理想世界。艺术创作是把欣赏的意象加以客观化，姜夔有句“数峰清苦，商略黄昏雨”，他是先从自然中见出这种意境，然后拿这九个字把它翻译出来。
“艺术的创造必须有欣赏者”，所以需要合适的媒介和技巧，把自己欣赏到的情趣表达出来。
技巧之一便是想象。通过想象将抽象的概念翻译成具体的`意象。“朱门酒肉臭，路有冻死骨”就远比“贫富不均”动人。想象可分为分想和联想。通过分想，从一团记忆中抽出最具表现力的少数意象。联想则可以使人变成物，使物变成人，使抽象得以具体化。发生和抉择的依据则是情感，“许多本来不相关的意象，如果在情感上能协调，便可形成完整的有机体”。情感使得艺术家可以创造个人体验之外的形象，使我们可以欣赏艺术家的作品。“这种心灵感通中我们可以见出宇宙生命的联贯”。
有了情感和合适的意象，就需要相应的形式来表达。诗适合遣兴表情，散文适合叙事说理，作家对于自己无法完全理解说明的东西往往会用小说来表达。创造应当遵循艺术的规律，但是正如曹公借林妹妹玉口所言，“第一是立意要紧。若意趣真了，连词句不用修饰自是好的”。
创造首先要欣赏到意境，再把意境传达出来让帮人领略。这传达的关键便是“手能从心”，手要从心就需要从模仿开始学习、训练。“凡是艺术家都须有一半是诗人，一半是匠人。他要有诗人的妙悟，要有匠人的手腕”。
关于天才和灵感，作者以为，天才是一个人的本钱，有人用小本钱做成了大买卖，有人有大本钱却挥霍一空。“灵感是潜意识中的工作在意识中的收获”，灵感是悉心培养的结果。
人生的艺术化
“实际人生”只是人生的一个片段，“整个人生本来就是一种较广义的艺术”。“美之所以为美，全在美的形象本身，不在它对于人群的效用”，“真理在离开实用而成为情趣中心时就已经是美感的对象了”。“艺术是情趣的活动”，“情趣愈丰富，生活也愈美满“，所以，“慢慢走，欣赏啊！”
朱光潜《谈美》的读书笔记10
俗语说：爱美之心，人皆有之。自古以来，人们就自然而然的在不断的追求美，无论是外表的美，还是心灵的美，只要能被认可为美的东西，就是值得追逐的。不仅如此，在这个过程中，人们也在不断的加深对美的理解，对美的解读也在变化。但无论怎么变，美的核心却是始终如一的。
著名美学家朱光潜就有一本叫做《谈美》的书，以自己的认识来谈对美的理解。而这里的美，当然不仅仅是外表的美丽了。“人要有出世的精神才可以做入世的事情”，这是作者朱光潜为人的准则也是全书的一个基本观点，我认为本书<谈美>的一个落脚点就在于如何来“出世”。就像他自己说的，他是在谈论美学的基本思想，在此基础上将“美”推及到人生万象，其中一个非常重要的思想便是“独立之美”。
在作者第一封信中所举的古松的例子，就是如此。庭院中的一颗古松，我们可以有三种不同的角度去看它，即以一种实用者的角度，如木匠；以科学家的客观角度，如植物学家，另一种则是以美学家的.角度去观察。在三种不同的角度中，实用家想的是如何才能把这颗古松做成精美的家具，或者是一件精致的艺术品，而科学家所想的则是这颗孤松的年龄，属类等，这两者都在无意间把外在的意向同自己的行业，学识等联系起来，都把古松当作一块踏脚石，由它跳到和它有联系的各种事物上去，但是美学家则是把古松独立于自我之外，从第三旁观者的角度去看，以直觉去体味。独立性体现在人格的独立、思想的独立，只有用独立的人格和思想，才能在世间作为一个真正的“人”而存在，否则就如没有灵魂的提线木偶一般，多么的可悲。但在如今的社会里，能真正“独立”却又是一件多么困难的事情。在学校，有一整套的教学计划，所有的老师学生都必须按部就班的按照这个计划来，每一个题老师都会教给你好几种解答方法，每做一件事老师都会告诉你哪些可以想，哪些不能想。进入社会就更是如此了，过于的特立独行只能带来异样的眼光，而这样的后果就是你被排挤在他们的圈子之外。多少人在工作之余有思考过，他这一整天重复的行为对他的人生、对这个世界有什么意义。我们的社会只不过在一群机器的操作下循环往复罢了。
我们在这本书中看到了积极的讯号，在对美的追逐中，我们的生命也会变得绚丽多彩。在我们的生活中，永远不可能一帆风顺，总会有坎坷，特别是我们这些刚涉世的“学生娃”，无论是生活或是事业，都是刚起步的时候，总免不了碰到各种各样的挫折，困顿，总会感觉到为什么幸运之神为何总是远离你，你的前途，你的生活，被蒙上了一层厚厚的尘雾，让你不知何为，不只为何，迷茫、困顿、沮丧、郁闷时常伴随着你我，但如果此时你能以一种美学的态度去观察这个世界，这种生活，这种状态，恰如一剂清凉剂，你就会发现一种全新的角度，全新的境界，你把你自己从你的生活中孤立出去，以第三人的角度去看你的生活，去欣赏，因为只有如此，你才能不受实际的切身的利害的牵绊，就能安闲自在的玩味于另一人的生活，并从中的得到美感。
你可曾遇到过“美”敲响你家的门？你能够欣然的将美接近家门么？别想了，真正的美只存在于未来，只存在于我们积极的生活态度中。所以，对美心存敬畏之心，愿意穷尽一生，把“美”当成一种梦想来追逐，永远也不要停下追逐美的脚步。
朱光潜《谈美》的读书笔记11
大概快有十天的样子没有读《美学书简》，我认为读这样的书是要有一种心境的，至少要能感受到其文字之美和思想之美。
朱光潜先生用了好多篇文字来说明他所说的“美”到底是什么“美”，实用的、科学的不是美，快感不是美感，联想也不是美感，考证、批评都不是美感的态度，自然也需和情趣结合起来才谈的上美。
朱光潜先生在《依样画葫芦》这篇文章里，又谈了写实主义和理想主义的错误。
一般人大半以为自然美和艺术美的'对象和成因虽不同，而其为美则一。自然丑和艺术丑也是如此。这个普遍的误解酿成艺术史上两种表面相反而实在都是错误的主张，一是写实主义，一是理想主义。
朱光潜先生认为，两种主义看起来相反，实则主张类似，“都承认自然中本来就有所谓美，它们都以为艺术的任务在模仿，艺术美就是从自然美模仿得来的。”
在他看来，自然主义和理想主义都是在“依样画葫芦”，只不过写实主义以为只要是葫芦，都可以拿来模仿；而理想主义认为“美在类型”，应该选一个富有代表性的葫芦来模仿。他把理想主义称为“精炼的写实主义”。
我们说“艺术美”时，“美”字只有一个意义，就是事物现形象于直觉的一个特点。事物如果要能现形象于直觉，它的外形和实质必须融化成一气，它的姿态必可以和人的情趣交感共鸣。这种“美”都是创造出来的。
朱光潜先生再次强调了他认为的美是“无所为而为”的形象的观赏。并引用法国画家德拉克洛瓦说的话：“自然只是一部字典而不是一部书”。就像现在人人都可以有“度娘”，但是真正能写出好文章来，还是要“凭各人的情趣和才学。”
谈美和写作还是有区别，写作之初，“依样画葫芦”也不失为一种好的练习方法。
朱光潜《谈美》的读书笔记12
“人生莫要大汗淋漓埋头向前，也当时不时停下来，慢慢走，欣赏路两边的风景”，因桥梁而入美学，朱光潜老先生的《谈美》，当为小玄子的美学第一课。
01、缘起
最先知道朱光潜作为美学家是在高中教室的图书角，教语文的班主任是美学硕士，在教室的窗台上开辟了图书角，放置了中外文学（美学）书籍，其中就有朱的著作（具体是哪一本记不清了）。最先注意到《谈美》这本书，也是因了朱光潜先生的名号，这本书是先生于1932年（时年35岁，算是人生早期阶段）著作的一部谈论美学的书籍，书不算厚，197页，其中讲述了中国的古典美，又引用西方美学家的观点谈鉴赏美，读来不像一般哲学书那般苦涩难懂，也不像一般美学书张口闭口引经据典，非要有厚实的文学基础才能读得顺心遂意，《谈美》这本书就像作者在序言中所说，以一种跟小辈人谈话的方式进行，作者说在著书前不需动辄读十几本参考书，就以最平常的语言和聊天的方式来听谈论生活中的美，文学中的美，让从未接触过理论美学的工科生深深沉浸其中，惊喜于先生的文笔和当中所蕴含的思想。
02、转合
拿到这本书，打开目录便被序列一到十五的标题惊艳到了，其中有谈论对审美三种不同态度篇朴实如“我们对于一颗古松的三种态度”，也有谈论美感和联想且自带意境的诗句“记得绿罗裙，处处怜芳草”，也有谈论写实主义和理想主义关系篇目的“依样画葫芦”。不同于理科课本中纯属解释概念的标题，用朴实命题、古诗、经典名句、俗语做标题，参差不齐的表述形式，视觉上本身就形成了一种美感，借他语以言己意，又是一美！首先要想用他人之语表己之思想，你得理解到他人之语的深刻含义，他人通过这段语言想表达出自己什么样的思想，之后你要用自己的情感去理解他人的思想，再将其融为一体并以一种大众认可为美的形式表现出来，这不就是最简单的一种美的形成过程吗？（对标题美的初步看法）
对于书中的观点我不是都认可，只针对其中感兴趣的几点，谈论一下我的看法，简单做一下笔记。第一篇谈论对美三种态度的末尾的一句话，让我很受触动，写的很有文采，朱自清作的序中也曾提到这句，下面我们简单来看看这句话。
“悠悠的过去只是一片漆黑的天空，我们所以还能认识出来这漆黑的天空者，全赖思想家和艺术家所散步的几点星光。朋友，让我们珍重这几点星光！让我们也努力散步几点星光去照耀和那过去一般漆黑的未来。”
这里看起来很有意思，漆黑的天空代指世间一切未知的混沌状态，把思想家对于世界的看法和艺术家基于世界现实所创造的艺术看做几点星光，比喻很是贴切，也说明了我们对世界的认知是小荷才露尖尖角，是那一点点，后面又说珍惜这些星光，自己也要去散布星光，这种发掘未知的贡献精神是我们应当去学习的。但这结论未免又有些绝对，全赖思想家和艺术家概念是否有些缩小化，有以偏概全的嫌疑，或许一切可欣赏可表达者皆可称为思想家和艺术家。
我们对美的追求古已有之。原始先民用于做饭的炊具，其上面的花纹令今人都叹为观止。炊具满足了为人的基本生存需求提供了辅助，但花纹却不是必须的，没有花纹也并不影响人的生存，是否从这一表现中看到原始人对美的追求？按照书中的观点，这种美是最基础的物质美，是不需要系列复杂的情感和方法。如果从另一个角度想，先民们看到了美丽的花纹并将其内化使心情愉悦，产生了对这些饰有花纹陶罐的喜欢，由物之美上升到内心情感的愉悦喜爱，或许这已经不是最基础的物质美了吧。
接着先生在第一章谈论对一棵古松的三种态度，其实是人对美的三种态度，古松是美的载体，单纯的谈美未免让人觉得空泛，古松给了美以具体的表现形式，美又是古松的表观显现，就像我们的这门课，我们要学结构美学，而桥梁就是载体，我们要在不同的桥梁中去欣赏结构美学。回到文中，作者以木商、植物学家和画家三种人来表述人在不同状况下对这棵古松的三种态度，用以表现美的实用性、科学性和艺术性，而不能单纯理解为这三种人只能按照自己的职业思维去看这颗古松，如果非要这般解释也未免太过于武断。三种人划分只是以他们的职业为依据，但除去职业外，他们都是一个个体，可以欣赏美的个体，木商在思考这颗古松的价值时未必不会考虑到古松的苍劲挺拔，未必不知道树的根枝丫等结构，只是每个人由于自己的生活经验，在看到一个事物发表意见时最容易从自己生活中得到的先验知识出发。如果给定美的话题，让上述的三种人谈论这颗古松，三人的看法未必可见高低。这里我想说，每个人都有欣赏美的眼睛，只是生活的经验让人容易从接近当前生活状态的角度出发，而艺术家恰好是从事艺术审美的工作，他的出发点较之于他人距离美便近了很多。
第一章篇末，先生提到“许多轰轰烈烈的英雄和每人都过去了，许多轰轰烈烈的成功和失败也都过去了，只有艺术作品真正是不朽的。”有列举曹孟德和秦始皇的例子加以说明，其实我是不大认同他的'观点的。曹明德和秦始皇是历史上真人真事，是人便会有生死，是事便会有始末，历史的流转和朝代的更迭使之然。而先生所说的艺术作品则是他们形象和精神的载体，他们肉体早已化为碳水尽归自然，而他们的事迹流传千古给无数人以激励和警醒，当朝子民的记载让他们的事迹得以让千百年后的我们知晓，感受曹孟德舳舻千里、旌旗蔽空的豪迈气势，感受秦始皇一统六国、始制文字、统一度量衡时的雄心与壮志。此般情景因被人记录而成为“艺术”，我们今人看到再根据自己的经验想象那年那人那景，借彼之言抒自己的情感，我们便感到了美。所以我们能单纯把此段要描述的艺术和历史割裂开来看吗？答案显然是否定的。
当局者迷旁观者清——论述了“艺术是主观的，都是作者情感的流露，但是它一定要经过几分客观化”，以此说明艺术和实际人生是有距离的。对于前面的观点我从未涉足，但对后面艺术和人生的距离有几点简单的看法。拿生活中的例子来看，人们经常会喜欢影视作品中扮演“好人”的演员，而讨厌其中扮演坏人的演员，这个现象带有一点移情作用，演员刻画人物形象很到位，因此我们便将对角色的情感带入到演员本身，像是艺术对生活的外延。但也有新闻报道观众因对扮演坏人角色深恶痛疾而上升到对演员的人身攻击，这种行为本身已经超出了艺术的范畴，艺术的美已经被生活的带入所破坏。演员刻画坏人的形象深入骨髓，说明演员的表演功力深厚，我们欣赏“坏人”的表现来感受表演的魅力，这是一种美的体验，但当我们把艺术现实生活化后，艺术与现实不再有距离，艺术便被现实生活的基本生存需求和不受控的情感赶出了美的世界。
03、终
读朱先生的《谈美》，给我最大的感受是惊奇。在枯燥的理工科学习中偶尔体验一下文人墨客的情怀，感受诗词歌赋中的风花雪月，以第三视觉去看哲人的争辩，岂不妙哉？记得有一章中写艺术的移情于景，写到王昌龄的《长信怨》，写到“奉帚平明金殿开，暂将团扇共徘徊”，写班婕妤团扇之用意，写王昌龄又用团扇之意，读完这一章有一种茅塞顿开的感觉，初中语文老师费九牛二虎之力给你讲象征讲抽象，撑着脑袋听到头晕晕也没能明白什么是象征什么是抽象，读完这段文字，便有“原来是这个样子啊”的感叹！不求一本书能读懂美学，看透美的哲理，但希望能以这本书为起点，拓展自己的阅读范围和眼界，能够在现实生活中体验书中所写美学的魅力，让生活变得不再仅仅是柴米油盐那么简单，即使是仅仅有柴米油盐也可以有陶渊明“采菊东篱下，悠然见南山”般的深度，应书中最后一章先生的提议，人生莫要大汗淋漓埋头向前，也当时不时停下来，慢慢走，欣赏路两边的风景！
朱光潜《谈美》的读书笔记13
这是朱光潜先生在83岁高龄写给青年的美学入门读物《谈美书简》。朱光潜先生是中国现代美学的代表人物，是开拓者和创新者，在美学领域是全国的权威，他主张美是主观性与客观性的统一。他运用马克思主义的观点来阐明了美和美感的规律、美范畴等一系列问题。
在前言中，朱光潜告诉我们怎样学美学，但我认为更重要的在于，他对我们人生观的引导，如在前言中朱光潜写到“正路并不一定是一条平平坦坦的直路，难免有些曲折和崎岖险阻，要绕一些弯，甚至难免误入歧途。哪个重要的科学实验一次就能成功呢？“失败者成功之母”。失败的教训一般比成功的经验更有益”……这些都呈现出一种积极的人生态度。
什么是美？这是一个很基本的问题，但毫无意外地，我们大多数人并不知道它的确切答案。其实从另一个方面来说，美并没有一个具体的标准，每个人对于美都有不同的定义。在《谈美书简》中，朱光潜先生给了我们一个答案，虽然这个答案不一定正确，但至少比毫无头绪要高明许多。
许多人都认为，看过去舒服的就是美的，也许更深一层，会说心灵美也是一种美。但所有的这些都比较浅显的.，而深入研究，又是望尘莫及的事了。通常我们对于美、美感、美的规律、美的范畴等等这些问题感到很深奥，也研究甚少，关于这些问题，朱光潜先生在此书中都一并回复了，而且回复的很详尽，对于思想，文学，方法，理论等等也有详细的陈述。对于美，我们看到的都是片面的，也可以说是表面的，而看完这本书，我对于美则有了全新的看法，这也是读此书的收获吧。
朱光潜《谈美》的读书笔记14
《谈美》全书共有一五个话题,也便是一五封信。首先他先提出了“美感涵养”的问题,用我们的话来说便是“免俗”。这是对“利害圈”和物欲要有一些逾越,有一些精神的拜托,有一些理想与情趣,此中艺术活动就可以起到这种逾越利害干系的作用,在“无所为而为”中污染心灵,得到品德精神的提拔。谈美读书笔记
鄙谚讲:“距离孕育发生美”。卖火柴小女孩读书笔记 其实朱老师在此明白的指出了艺术和生存的距离。真实世界包围了雾、雪或雨就容易给人们另外一种遐想,其形态使真实世界同你我之间孕育发生了距离,因此有了从古到今的诗情画意等及赋美感的意境。所谓:艺术泉源于生存又高于生存。应该也是此中原理。艺术是主观的情趣、感觉,而又有些客观的控制和计划在此中,太过接近真实容易使人孕育发生功利心,太过主观也不容易让人明白,毕竟艺术是给人们欣赏的.。
谈美读书笔记 不同艺术各有其不同的表现形式,如同京剧有唱、念、坐、打。相声有说、学、逗、唱。等其有规矩的表演方式,是经过人们多年在舞台上磨砺总结出的表演形式,而这些形式是经过人们运用艺术纪律如夸张、变形等方式,拉开同现实生存的距离,而其内容又不脱离生存。
人们对于熟习的事物总是容易纰漏它的美,因为太过熟识没有了距离感和神秘感,容易从现实生存中的利害干系出发看眼前的事物,而奇怪的、不相识的事物有距离感就容易孕育发生美感,这也如同《围城》般的效果,我看你的好,你看我的好,无非是因为有距离,有神秘感而迸收回美感,使人向往。如此所谓:“政府者迷,观看者清”。 做卓越的教师读书笔记
一天的时光转瞬即逝,而就在本日,我度过了一个故意义的时光。我读完了第一三封信。然而通过这第一三封信,我对美有了一个深入的认识,这便是朱光潜老师在八三岁那年写给青年的美学认识读物《谈美》。
朱光潜《谈美》的读书笔记15
最经，我阅读了朱光潜先生的《谈美》一书，颇受启发，收获良多，读朱光潜《谈美》有感。这本书为我打开了美学这一陌生学科的大门，让我第一次真正领略到美学其独特的知识魅力。最难能可贵的是，朱光潜先生能够用朴实无华、浅显易懂的语言，将原本深奥枯燥的理论分析地如此客观、如此透彻、如此深入浅出，让我们这些美学的门外汉也能读懂作者所要表达的思想和观点。读完这本书，头脑里不是堆积如山的理论包袱，而是一种通透的、简单的、贴近于生活的印象，这也就使我在阅读后收获了更多的知识，以下就是我对于这本书内容的一些总结和概括，以及我在阅读后的所想所感。
《谈美》是朱光潜先生于1932年以书信形式为青年所写的一本美学入门书。本书共分为十五个章节，章节间的思路连贯，层层深入，其间的论述有理有据，语言深入浅出。本书主要探讨了关于美学的一些基本问题，例如：美是什么，美从哪里来，美具有什么特点，美与自然的关系，美与实际人生的距离，这些都是最基础的美学问题，同时也是最关键的问题，朱光潜用客观、精确、凝练的语言对其加以分析和论述，使读者初步了解和认识美学，正如朱自清在《<谈美>序》中所说：“引读者由艺术走入人生，又将人生纳入艺术之中”。
书的第一章到第三章重点论述了美感是什么，美感从哪里来的问题。在第一章中，作者以一颗古松为例，将人们实用的、科学的、美感的三种态度加以比较和区别。实用的态度以善为最高目的，注意力偏在事物对于人的利害，心理活动偏重意志；科学的态度以真为最高目的，注意力偏在事物间的互相关系，心理活动偏重抽象的思考；美感的态度以美为最高目的，注意力专在事物本身的形象，心理活动偏重直觉。所以，美感经验就是形象的直觉，美就是事物呈现形象于直觉时的特质。在第二章中，作者强调要以一种“无所为而为”的精神去欣赏事物本身的形象，美和实际人生有一定的距离，要见出事物本身的美，须把它摆在适当的距离之外去看。
长时间不曾读书，更不曾这么认真的读书。《文艺心理学》（复旦大学出版学出版）又名《谈美》，是朱光潜先生一部谈美学的论著。朱光潜先生在美学界的造诣这里无需过多赘述，他是我国研究美学的始祖，一代美学大师。通读完后，首先的感觉是朱先生知识的渊博，旁征博引，学贯中西。在他的书中，古今中外的文献引用得极多，而且所引用的英法德等国关于美的论述都是他最早翻译过来的。其实粗读一篇，我真没有弄明白到底什么是美。虽然他通篇都在介绍什么是美，从心理学角度、从哲学角度、从自然科学角度去研究、论证美的本质意义。但是我读的还是一头雾水，因为朱先生的思想是那么的深邃；眼光是那么犀利；观点是那么独到，读后感《读朱光潜《谈美》有感》。都说读书就是读者和作者心与心的交流，我只觉得朱先生穿着一身长马褂，在某个黄昏的清风中，向我娓娓道来，像一切得道智者一样，他持才并不傲物，从容淡泊，虚怀若谷。对我而言，朱先生只能用“高山仰止，景行行止”来形容了。
到底什么是美？为什么美？朱光潜先生并没有给出明确的定义。对于一个严谨的科学研究者或者说是理论研究者，简单草率地定义某种事物，总不免会把读者引入歧途甚至会怡笑大方。伟人如柏拉图也曾犯下把人定义成没有羽毛动物的错误，留下了千古笑柄。美不完全是事物的属性，不能科学定性地定义。譬如我们说水，这是可以严格定义的，凡是由2个氢原子和1个氧原子化合而成的物质就是水，这个不会因为不同人有不同看法而改变。然而我们很多人对美的定义其实都是成为美的条件，我们说脚长的女人比脚短的女人要美，对称的比散乱的要美，但这都是成为美的条件，但具备这些条件的不一定就是美。正如空气含有水分是雨的条件，但空气中的水分却不是雨。因此有人问圣·奥古斯丁：“什么是时间？”，他回答：“你不问我，我本来很清楚地知道他是什么，你问我，我倒觉得茫然了”。美不能定义，又不是事物固有的属性，那就没有研究价值了吗？朱先生告诉我们，美其实在某种程度上也是事物属性，当我们见到美的事物时，大多数人还是会觉得那是美的。但是研究判别美，不仅要在物本身着眼，同时还要着重观赏者在所观赏物中见到的价值去研究。通俗一点讲，就是美不仅在物，而且在心，在物为刺激，在心为感受。世界上没有天生自在，俯首即拾的美，凡是美都要经过心灵的创造，所以美学研究的理论，不仅要讲艺术，而且要讲心理。作者用了十七章的篇幅在讲美，我才疏学浅，读了多遍亦只是管中窥豹，不能全面真正理解作者所阐述的理论。刚看到这本书的时候，我和大多数人一样都有一个疑问，自已认为美就是美，了解那么多有意义吗？
为什么要研究美？现实生活中我们每个人都攀登过山，游玩过水，欣赏过画，背颂过诗文，当我们发现某处景色让我们心情愉悦时，我们会说，这里真美；当我们读到某处诗文让我们身临其近时，我们会说这首诗真美；当我们读到某篇文章让我们长期心灵的桎梏、精神的困顿豁然开朗的'时候，我们会说这篇文章真美。我们在说美的时候，其实都只是一个随性的判断，靠得是自己粗疏的经验，至于为什么会觉得美，我们都没有意识进行仔细的考量。我们要欣赏、判断美，其实是不能离开理论支撑的。如果我们没有决定怎么才是美，就没有理由说这幅画比那幅画更美；如果我们没有明白艺术的本质，就没有理由说这件是艺术品，那件作品不是艺术品。只有当我们明白美的本质的时候，才能使欣赏和创造的过程得着更准确的力量（朱自清语）。对于读这本讲哲学，讲心理学的理论书籍，读起来非常费力。要来只是想了解一下，但是被作者严谨的治学态度，一以贯之的努力精神所感染，觉得不认真读完都是对不起作者所付出的努力和自己白白流失的青春。作者在整篇文章中，每论到一个观点，都列举了十几个思想流派的主流观点，然后自己不轻易的判断某种观点的对错，也不轻易接受某种观点。在以过自己认真思索、艰苦探索的之后，提出自己的见解。因此，他在《谈美》中说到写此书时“要先看几十部书才敢下笔写一章”。这让我想起，他在这本书附录《作者自传》中提到的一件事情，在作者年近花甲的时候，还努力去学习俄文，并且可以达到读写的程度。前些年，我在某本书上看到北大王选在60多岁的时候，再去学计算机程序语言，并成功开发出汉字排版软件，打破了国外对汉字排版领域多年的垄断，被誉为“当代毕昇”。在这里不是想说他们“老骥伏枥，志在千里”的故事，而是觉得我现在还很年轻，悲观、懒惰的情绪时常在缠绕着我。
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